Manga is de Japanse term voor stripverhalen: het waren enkele kunstenaars aan het einde van de 19e eeuw die dit woord bedachten, waaronder de grote Japanse schilder en graveur Hokusai, om te verwijzen naar verzamelingen lichte en aangename tekeningen en illustraties.
Het grote succes van manga begon echter na het einde van de Tweede Wereldoorlog. Amerikaanse troepen introduceerden Disney-strips zoals Mickey Mouse en Donald Duck in Japan. Dit inspireerde ook de moderne manga van meester Osamu Tezuka, de ‘God van de Manga’, auteur van de bekende Astroboy, die ook vele andere iconische verhalen tekende.
Vandaag de dag is manga uitgegroeid tot een van de belangrijkste sectoren van de Japanse uitgeversindustrie en heeft het ook al lang de internationale markten veroverd, waaronder Europa.
Veel striptekenaars en aspirant-striptekenaars wenden zich al tot Pixartprinting om hun verhalen af te drukken of een aantrekkelijke portfolio te creëren met behulp van de mangatechniek.
Veel mensen denken dat manga eigenlijk een grafische en tekenstijl is, maar dit is niet echt het geval: het is in plaats daarvan een geheel van precieze technieken.
De Oosterse kijk op strips
Zoals we al benadrukten in het artikel over bande dessinée, zijn strips niet overal ter wereld hetzelfde: afhankelijk van het geografisch gebied en de cultuur veranderen de vertelwijzen, tekenstijlen, formaten, de grootte van de albums en de paginering.
Terwijl Amerikaanse strips over het algemeen de voorkeur geven aan actie, verhalen in kleur en een meer verticaal formaat, en in Frankrijk verhalen worden gepubliceerd in hardbackformaat en met grotere platen, wordt manga daarentegen vooral gekenmerkt door bepaalde basiselementen met betrekking tot verhaal en formaat:
- De emotie van de personages ten dienste van het verhaal
- Kleinere afdrukformaten in zakformaat (tankobons genoemd).
Dit is dus een gids voor het maken van strips volgens de mangatechniek: een onderwerp dat zeker omvangrijk is en dat voor veel auteurs een jarenlange studie vereist. Deze gids heeft dan ook geen pretenties van volledigheid, maar is een inleiding voor degenen die van hun passie hun beroep willen maken, of voor degenen die geïnteresseerd zijn in een beter begrip van de codes en de oosterse visie op strips.
Salvatore Pascarella: onze gids om de manga te leren kennen
Dus hoe maak je een manga, of je nu een portfolio wilt maken om aan uitgevers te laten zien of een zelfgeproduceerde strip?
Voordat je begint met het eigenlijke tekenen, is het goed om te begrijpen dat aan de basis van elke striptechniek diepe structuren en visuele codes liggen die weerspiegeld worden in de cultuur van het land van herkomst. We hebben het natuurlijk niet over onverbrekelijke regels, maar richtlijnen die zich in de loop der tijd op natuurlijke wijze hebben ontwikkeld, ook dankzij bepaalde auteurs die de structuur van de pagina en de timing van het verhaal hebben beïnvloed.
Om de enorme wereld van de manga te begrijpen, spraken we met Salvatore Pascarella, alias Salvatore Nives, Italiaanse mangaka en auteur van de tweedelige mangaserie Flare-Zero (bij uitgeverij EditionsH2T in Frankrijk en in Italië bij Shockdom) en het vierdelige vervolg Flare-Levium.
De grammatica en grondbeginselen van manga
De basis van de elementen waaruit een stripverhaal bestaat, is overal ter wereld hetzelfde:
- Het vignet is de enkele getekende afbeelding
- De kooi is de verzameling vignetten die samen een pagina of bord vormen
- De afsluiting is de ‘witte ruimte’ die de tijd van het verhaal bepaalt.
Manga is nu geïnternationaliseerd: het is niet alleen voorbehouden aan Japan, dat zijn verhalen en auteurs exporteert, dus er zijn ook steeds meer uitgevers en auteurs in Europa die deze striptechniek hebben geërfd.
Volgens Salvatore Pascarella is de basismatrix van het oosterse vertellen, Kishōtenketsu genaamd, de ritmische score die alle manga-auteurs gebruiken om zowel de dubbele pagina’s (alles wat de lezer ziet als hij het boek opent) als de verhalen te creëren:
“Mangaka volgen altijd een 4-stappen score: begin, ontwikkeling, keerpunt (climax) en einde, in tegenstelling tot westerse verhalen die een 3-stappen score volgen, d.w.z. begin, ontwikkeling en einde. De Japanners passen deze 4-stappen-score echter ook toe op afzonderlijke pagina’s. Tezuka deed precies dat in het begin met zijn werk ‘Schateiland’: hij nam deze 4 tijden die typisch zijn voor de yonkoma (verticale stroken van 4 vignetten) en combineerde ze met zijn studies over Disney-cinematografie, waarbij hij het medium probeerde te vernieuwen vanuit het oogpunt van richting en timing’.
Er zijn zoveel auteurs die de manga in de loop der tijd hebben beïnvloed en opgebouwd, dat het onmogelijk is om ze allemaal te noemen. Onder hen zijn zeker:
- Osamu Tezuka: de echte pionier van de moderne manga, die letterlijk de ‘grote ogen’ uitvond, die later kenmerkend werden voor veel (maar niet alle) anime. Hij wordt beschouwd als de vader van de ‘story manga’, wat precies verwijst naar de 4-delige verhaalstructuur die hierboven is genoemd.
- Shōtarō Ishinomori: creëerde onder andere enkele van de populairste Japanse mangaseries zoals Cyborg 009, uiterst invloedrijk voor alle latere auteurs.
- Katsuhiro Ōtomo: creëerde Akira, een serie met een enorme filmische impact, waardoor manga en anime ook buiten Japan werden uitgebracht.
- De Groep van ’24: een groep vrouwelijke stripmakers die vanaf de jaren ’24 grote invloed uitoefende op de zogenaamde shōjo manga (strips voor meisjes). Voor die tijd werden publicaties voor meisjes alleen door mannen gemaakt.
- Akira Toriyama: zorgde ervoor dat manga mainstream werd met de bekende series Dragonball en Dr. Slump.
Dit kan een goed startpunt zijn om de diepere structuren van manga te begrijpen. Het is belangrijk om niet alleen te kijken naar de ‘masters’, maar ook naar de huidige publicaties.
De karakteriserende elementen van de manga
Om een mangapagina te maken, moet je een aantal van de meest karakteristieke elementen kennen.
Volgens Salvatore Pascarella:
“Een van de basisrichtlijnen voor het maken van een pagina is altijd om de emoties te volgen die je op dat moment aan de lezer wilt overbrengen. Je kunt dus een breed en luchtig vignet tekenen als je een ontspannen stemming van de personages wilt overbrengen en dus een grafisch evenwicht tussen scène-elementen en ballonnen. Als alternatief creëert de auteur onevenwichtigheid in de scène: als je een gevoel van spanning, angst of verstikking wilt overbrengen, ben je geneigd de vignetten schuin te zetten, samen te persen en raakvlakken tussen de elementen te creëren. Op basis hiervan kunnen verschillende pagina-indelingen worden gemaakt.
Manga heeft zeker veel andere karakteriserende elementen die het onderscheiden van westerse strips. Naast Kishōtenketsu, dat de basis vormt van het verhaal, heeft Pascarella er een paar aangewezen, de meest voor de hand liggende:
- Lezen van rechts naar links: in tegenstelling tot westerse strips wordt manga ‘ondersteboven’ gelezen. Sommige Italiaanse auteurs volgen deze oosterse lay-out echter niet.
- Tijd stoppen/controleren: in manga (waarvoor de regel 1 vignet = 1 emotie geldt) kan de tijd veel meer worden opgerekt om de lezer in staat te stellen zich te synchroniseren met de leestijd en zo het verhaal in de eerste persoon te ‘beleven’. De grootte van het vignet hangt nauw samen met de emotie van de lezer. Hoe groter deze is, hoe meer de tijd vertraagt, waardoor er meer emotionele spanning ontstaat.
- Hikigoma: dit is het laatste vignet aan het einde van de dubbele pagina, d.w.z. wat de lezer ziet voordat hij de pagina omslaat. Hier voegen de auteurs meestal interessante punten in, iets speciaals om de lezer te verleiden de pagina om te slaan, een soort mini-climax.
Kortom, in manga zijn het de emoties die men wil overbrengen die de lay-out en de structuur van de pagina bepalen, evenals een narratieve structuur die de interesse van de lezer altijd hoog houdt.
Het mangabord en het eindproduct
Voor manga is in de loop der tijd een uitgesproken ‘vrije‘ kooi gecodificeerd: de auteur kan vignetten over elkaar heen leggen, ze naar believen vergroten of verkleinen, en nog veel meer. Over het algemeen wordt een album op deze manier gekarakteriseerd:
- Elke pagina bestaat meestal uit 3 stroken, maar in sommige gevallen kunnen het er ook 4 zijn.
- Elk paneel heeft tussen 1 en 8 vignetten en dit varieert natuurlijk afhankelijk van wat je wilt communiceren. Zelden zijn er meer dan 8 vignetten en gemiddeld zijn er 4 tot 8 vignetten per pagina.
- Elk deel heeft 180 tot 200 pagina’s
Het is duidelijk dat dit algemene regels zijn en dat elke uitgever (zowel in Japan als Europese uitgevers van manga) zijn eigen kooi en aantal pagina’s volgt. Sommige Italiaanse auteurs gebruiken bijvoorbeeld het formaat van 100-130 pagina’s: veel hangt af van het verhaal en wat je wilt vertellen.
Maar hoe is het tekenvel van een manga opgebouwd? Ook hier is er geen universele standaard, maar in het algemeen “is er de kooi die de gesloten vignetten en de teksten afbakent, dan is er de buitenmarge voor de tekeningen/levende vignetten,” zegt Pascarella.
Wat het formaat betreft, gebruiken veel mensen B4 (anderen gebruiken vaker A4). Hieronder lees je hoe je de afbeelding moet lezen:
- Het rode gebied komt overeen met de rand van de vignetten en de kooi
- Het gele gebied is de rand van de pagina, d.w.z. waar deze wordt afgesneden bij het groene gebied.
- Het groene gebied is de buitenste kooi, die bij het afdrukken wordt verwijderd.
In het gele gebied kan dus getekend worden, maar het is beter om geen elementen in te voegen die essentieel zijn voor het lezen (zoals dialogen), omdat ze dan te veel naar het midden van het boek kunnen vervagen.
Het eindproduct wordt meestal in zwart-wit afgedrukt, traditioneel in een papieren publicatieformaat van 13 x 18 cm (er zijn echter vele andere formaten). Op Pixartprinting kun je verschillende formaten kiezen in de sectie boeken, tijdschriften en catalogi, waaronder paperbacks. Als je daarentegen een portfolio van platen of tekeningen wilt maken, moet je een ruwe en gefreesde paperback of nietjesbinding gebruiken.
Dit is het einde van deze inleiding in de grenzeloze wereld van manga: het advies is altijd om zoveel mogelijk te lezen over de auteurs en verhalen van deze grote traditie, om de verhaalstructuren en -technieken volledig te begrijpen en waarom niet, om nieuwe spannende verhalen te ontdekken.